Por singles que no sea. Si algo tenía Accelerate era la cantidad de canciones directas que podían extraerse como vídeos promocionales. Puede que ninguna fuese realmente brillante (no había un ‘Imitation of Life’, por ejemplo), pero tampoco hacía excesiva falta: con tanto donde elegir, el disco no iba a tener una vida comercial corta.

Además, R.E.M. están siendo listos a la hora de presentar visualmente sus nuevas canciones. Pasada la desidia que mostraron en su anterior disco por los clips, ahora han vuelto a ser la misma banda de siempre: los que se preocupaban porque todo tuviese, además de un corazón jugoso, un envoltorio a la altura de las circunstancias.

Como en su anterior single, ‘Hollow Man’, R.E.M. han confiado en la agencia publicitaria de Toronto Crush, que ha conseguido un vídeo casi mareante y lleno de efectos especiales simulando videojuegos pixelados de primera generación, clonaciones instantáneas y otras muchas cosas que, por desgracia, con la calidad que hay en youtube no se acaban de ver del todo bien. A falta de disfrutarlo de la mejor manera posible, ‘Man-Sized Wreath’ sirve al menos para comprobar que R.E.M., en parte y como afirman todas las revistas del mundo, han recuperado su mejor forma. Como mínimo, en lo visual.

Vídeo | Youtube
Vía | Rem Nation
Más en Hipersónica | Hollow Man, crítica de Accelerate



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Ya sabéis, porque lo he dicho aquí, del sopor que me provocan en disco Facto Delafé y Las Flores Azules. Más allá de una canción (‘Enero en la playa’), lo suyo es un quiero y no puedo: ni electrónica suave ni hip-hop sensible. Lo suya es una propuesta cargada de pretensiones, de querer ser profunda y novedosa, que se queda en nada, en la epidermis.

Pese a todo, tenía ganas de verles de nuevo en directo para comprobar si, como decían muchos, la cosa cambiaba en vivo, si sobre el escenario eran capaces de desplegar toda la emoción que en sus discos apenas aparece. Pues bien, ya tengo la respuesta y es no. Técnicamente, el concierto de Facto Delafé y Las Flores Azules en Logroño fue perfecto: sonó a las mil maravillas (siempre que estuvieras delante) y hubo confettis, pompas de jabón y proyecciones adecuadas para hacer de aquello un cuento de hadas. Pero, de nuevo, todo se queda en la superficie, en un quiero y no puedo.

Es una lástima, porque los tres componentes del grupo son mejores músicos de lo que Facto Delafé demuestran. Helena Miquel, por ejemplo, canta a las mil maravillas, aunque en vivo tiene un punto new age que arruina muchos tramos del concierto. O lo que es peor: si te dicen que éstos son los nuevos Presuntos Implicados, te lo crees.

Ahora bien, su música no pasa de ser muzak disfrazado de hip-hop. O mejor dicho, hip-hop al que se le ha quitado todo el hueso ytoda la chicha para vendérselo a la gente a la que no le gusta el género.

Las bases, que ni pinchan ni cortan, no dejan de ser lo que en disco: música para ascensores/tiendas natura/consultas de médicos y dentistas. Y los rapeados ni tienen flow ni nada: son de lo más monótono que uno ha escuchado en mucho tiempo. Eso sí, de repente todos los asistentes parecían haberse convertido a una nueva religión musical: ¡Oh, Dios, el rap puede ser bonito! Pues sí, pero no aquí y de este modo.

Luego están esas letras, esa poesía de adolescente, que siempre dan la sensación de que quieren descubrirte un mundo nuevo y lo único que hacen es encadenar tópico tras tópico, como sacadas del libro de estilo del “buen joven moderno y sofisticado” o, peor, de una novela de amor de Danielle Steel.

Hubo momentos agradables (sí, ‘Enero en la playa’, pese a todo, tiene garra, justo lo que les falta a las demás; también ‘La Juani’ sobresalió), algunos decepcionantes (‘Mar el poder del mar’, en vez de sonar tan sutil como en disco, ahora se ha convertido en una canción pomposa y con demasiadas ganas de querer ser un himno), y otros directamente lamentables. Por ejemplo, la nueva canción presentada, muestra del peor lado hacia el que pueden escorarse Facto delafé y las flores azules, les dejó a la altura del barro: ¿lo próximo qué será? ¿Un nuevo “mi abuela/ arroz con habichuelas”?

Hubo un momento revelador, cuando desde el suelo, Óscar D’Aniello comenzó a repetir “no nos menospreciemos”. De acuerdo, pero que tomen nota. Justamente eso es lo que están haciendo ellos con este grupo: Menospreciarse, rendir por debajo de sus presuntas posibilidades, encerrarse en un universo vacío y pretencioso y convertirse en algo muy, pero que muy parecido a La Oreja de Van Gogh.

Más en Hipersónica | Facto Delafé y las Flores Azules



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No creo en la música como escapismo. Quiero ir al asalto del cuerpo y de la mente de manera simultánea.

Con esa declaración de principios contundente está promocionando Kevin Martin su tercer disco bajo el sobrenombre de The Bug. ¡Y vaya si consigue sus objetivos! London Zoo es una obra que te rompe el cuello y te obliga a dislocar los pies para moverte a su ritmo mientras parece contarte las verdades del barquero sobre Londres y su fauna humana.

Y digo que parece contarte, porque no es sencillo saber de qué se canta/habla/rapea/escupe en London Zoo. Si seguimos a su autor, el disco muestra su relación de amor/odio con Londres, la maravilla y lo odioso de vivir en ese caos urbano.

Para los que, como yo, no estén acostumbrados a la escena electrónica del Reino Unido, palabras como dubstep o grime definen más bien poco. A nosotros nos queda acudir a símiles que los expertos en la materia considerarán poco afortunados, pero que describen bien mis sensaciones con este disco. ¿Os acordáis de la adrenalina que desprendía XTRMNTR, de Primal Scream, tras la primera escucha? ¿De la brutal colisión de sonidos que allí se llevaba a cabo? ¿Sí? Pues quitadle las guitarras, añadid a Jamaica y a su música por todos lados y hacedlo aún más oscuro, que no más pesimista. Eso es London Zoo. No se parecen en nada musicalmente, pero la sensación que me deja es la misma.

Y la sensación es importante, porque éste es un disco de atmósfera rompedora: empieza lleno de rabia (fenomenal Tippa Irie en ‘Angry’; youtube), a ratos se llena de caos, en otras canciones cae casi en el letargo (luce mucho la ruptura que impone ‘You and Me’ hacia mitad del álbum), etc…

Pero no sólo el ambiente rompe: el sonido se escapa a todo control, los sonidos graves se lo llevan todo por delante y escuchado a no excesivo volumen, London Zoo empieza a retumbar por toda la casa.

The Bug ha conseguido que su nuevo disco tenga tantas caras como se le quieran poner. Es hedonista (en una pista, esto rompe todos los cuellos que quiera), lleva carga emocional (la mala baba como medio de supervivencia) y tiene tantas capas y detalles como para perderte dentro por una buena temporada.

Curioso: casi todos los años acaba agarrándome por los huevos un disco de esos que no están en mi radar. El de The Bug no puede estar más alejado de lo que busco habitualmente, pero bastó una referencia ligada a Tricky para que le hiciera caso. Para que luego digan que los blogs no valen de nada: una vez más, La Increíble Verdad fue mi faro y casi en ningún otro lugar os van a contar mejor las virtudes del magnífico London Zoo que allí.



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Desde México llegan un nuevo proyecto para nosotros, pero que ya lleva X años en activo. DaPuntoBeat acaban de publicar Velodrom (2008, Actua Recordings) en España con dos años de diferencia respecto a la publicación en su tierra. Los ingredientes están claros desde que se empieza a escuchar el álbum: electrónica, mucha electrónica, y de base, el imprescindible elemento para hacer de un tema algo atractivo, es decir, el funk.

Como referentes se pueden ver grupos de la talla de !!!, Daft Punk, o LCD Soundsystem, siempre dejando de lado las distancias evidentes con ellos. DaPuntoBeat busca crear una fórmula atractiva y fresca dentro de temas de duración media, sobre los 3 ó 4 minutos, donde los diferentes ritmos e influencias que tiene cada miembro, se ven plasmadas.

La fórmula no es nueva, pero sí consigue su gancho en algunos cortes, en especial con el single de presentación, que ya os presentamos hace un tiempo, titulado ‘Konnichiwa’, donde los beats de las bases están enfocados al funk, con cierta percusión, las voces del grupo están pasadas por un vocoder y se tiñe de cierta distorsión. Es bailable y pegadizo.

DaPuntoBeat – Konichiwa (YouTube)

El proyecto se vertebra sobre los tres pilares principales: JM Salinas, en las programaciones, guitarras, teclados, bajo y voz, es decir, el hombre multitarea; Ian Corona, al bajo, teclados, programaciones y voz; y Ry Machado, batería y programaciones. Entre Machado y Salinas se gestan la mayoría de los temas.

Velodrom es un disco con el que puedes disfrutar en cualquier rato, ya que es muy accesible a cualquier público, no sólo es para puristas de la electrónica. La mezcla de downtempo que proponen, consigue sonar bien. Canciones como ‘Shake It’, donde los breaks y los scratchs predominan más, ‘Raphael’, donde están más festivos en el sonido, ‘Fuego’, jugando con samplers vocales sobre la base; consiguen un sonido atractivo.

DaPuntoBeat – Souvenir (Live at FIB) (YouTube)

La edición española viene con regalo de remixes firmados por diferentes personajes de la electrónica, como son Jorge González, Peter/Hans Warner, Israel Sosa y Sonido Chivaltraco; con diferentes resultados para bien y para mal. De todos ellos, el mejor es el de Condesa por González.

El grupo ha participado en el festival Heineken Jazzaldía, donde sonaron muy bien, y también lo hicieron en el Festival Internacional de Benicasim, ahora mismo se encuentran girando por el resto de España. Las próximas fechas son: Esta noche en León, el 4 de agosto en Zaragoza, y en Madrid el 16 de agosto.

Más en Hipersónica | DaPuntoBeat
MySpace | DaPuntoBeat



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Y llegó agosto, el mes más deseado, y ahora sí que es verano verano. Medio país se paraliza y sustituye la gran ciudad y todas sus rutinas diarias por unos centímetros cúbicos de playa y una cerveza fría en cualquier chiringuito cutre en primera línea, mientras suena por lo altavoces una y otra vez la canción del verano (¿es esto lo que hemos estado esperando durante todo el año?) Pues este verano todavía peor, porque o yo no me he enterado o aún estamos sin canción ¿será culpa de la crisis?

Yo tengo una, bueno yo no The Ting Tings, aunque seguro que ya la conocéis pues lleva unas cuantas semanas escalando puestos en nuestro top y aunque no ha llegado a encabezarlo cada vez anda más cerca. Ya iba siendo hora de que os trajéramos el videoclip de ‘That’s Not My Name’ con todos los ingredientes que debe tener toda canción estival.

Ritmo bailón y machacón, estribillo repetitivo y fácil de recordar y cantar por todos los miembros de la familia, desde los más pequeños hasta los abuelos saturados de tanto oírla en el coche de camino a la playa. Yo recuerdo que era capaz de hacer el trayecto de siete horas en coche hasta el pueblo escuchando la misma canción ¡pobres padres!

¿Que la canción es tonta? pues sí, pero puede que este sea el requisito fundamental, el que criba que tema puede alzarse con el título de canción del verano y cual no y el que hace que nadie se vuelva a acordar de ella cuando abandonemos el bañador por la bufanda.

The Ting Tings son un dúo ingles, de Salford, formado por Jules de Martino y Kattie White. Este mismo año han publicado We Starded Nothing, su álbum debut y no penséis que esta es la única canción que se salva, el disco está repleto de hits rompepistas, simples pero resultones.

Seguro que con ellos disfrutas más ese cerveza playera, yo este año me quedo en el desierto en que se ha convertido mi ciudad a intentar pillarle el encanto y en esto sí que ha tenido que ver la crisis.

Vídeo | MySpaceTV
MySpace | The Ting Tings



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Toda noticia que tenga que ver con un nuevo lanzamiento de Hidrogenesse se agradece, ya que son un dúo único, y aunque ahora vuelvan a lanzar un vídeo que ya usaban en proyecciones antiguas, bien merece hacerse eco de ello.

El tema elegido ha sido ‘Vuelve Conmigo a Italia’, con la nueva versión que propusieron en el último disco titulado Bestiola (2008, Austrohúngaro). Modificaba la versión original, la daba aún más fuerza del techno europeo, no muy fuerte pero sí movido.

Genis Segarra y Carlos Ballesteros están detrás del proyecto, ofreciendo letras ácidas, muchas veces sin sentido, o escondido tras juegos y juegos ‘infantiles’, irónicos y ocultos tras, por ejemplo, animales, como ya hiciesen en Animalitos, un maravilloso disco.

‘Vuelve conmigo a Italia’ es una de sus canciones favoritas, como me dijeron en la reciente entrevista para Hipersónica.

Para nosotros Vuelve conmigo a Italia, con las baterías de Alfonso Melero y los nuevos pianos, por fin tiene un sonido a la altura del mito (la discoteca italiana).

Yo prefiero quedarme con ‘Schols’ o con ‘Fuig llop fuig llop fuig’, pero este tema es un hit de la vieja escuela moderna que alegra el día nada más escucharlo, genial el estribillo, sin resultar tedioso en las repeticiones. Sigo convencido de que son un proyecto único e indispensable para la escena española, por lo que se espera nuevo material del dúo.

Más en Hipersónica | Entrevista a Hidrogenesse, Hidrogenesse – Bestiola
Vídeo | MySpace



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Manolo García no engaña a nadie. Su público es el de El Último de la Fila pero su carrera en solitario es prioritaria y del proyecto que compartía con Quimi Portet apenas si queda nada en sus conciertos más que unas paradas testimoniales. El viernes actuó en Gijón y eso se hizo evidente en el repertorio que interpretó ante unas seis mil almas que puedo dar fe que estaban entregadísimas.

La crisis económica se ha hecho patente en los conciertos de pago y los grandes nombres que antaño eran infalibles hoy se las desean para llenar plazas de toros o auditorios. En Asturias eso ha quedado claro este verano, primero cuando El Canto del Loco no consiguió vender todo el papel en La Laboral, esta semana Roger Hodgson, ex líder de Supertramp, apenas si pudo convocar a más de mil fieles en la plaza de toros de Gijón, y ayer Manolo García, un clásico en la ciudad, donde no actuaba desde hace tres años, no llenó la misma arena.

Y eso que estuvo a punto de suspenderse el recital tras un apagón que dejó sin electricidad al escenario poco después de que comenzara el concierto. La parroquia querría diversión y después que el equipo técnico del artista arreglara el desaguisado el ritmo del recital se fue entonando. A Manolo García le quería ver y tenía curiosidad de ver que ofrecía aparte de sus canciones, es decir, unos visuales bonitos eso sí, inferiores a los de la gira ‘Para que no se duerman mis sentidos’, y una decoración de escenario con bastante gusto.

A Manolo García le tocaba defender en directo un disco realmente inferior a los tres anteriores, sobre todo, a los dos primeros. Saldremos a la lluvia es evidente que no es tan bueno como aquéllos y a pesar de ello el cantante lo repasó casi en su totalidad. De él se pudo escuchar antes del apagón, ‘Provincia de río Negro’, con la que abrió el recital, y ‘Morder el polvo’, y en la reanudación ‘Contigo me quedaría’, ‘Cierro la noche’ y ‘A lo lejos el río’.

Pero antes colocó un tema impactante, ‘El loco de la calle’, con un comienzo rapeado que Manolo García cantó internándose en las gradas y en la arena para delirio de fans y dolor de cabeza del personal de seguridad. Ese tema, ‘Bailarás como un indio’, que cayó antes del concierto interruptus, e ‘Insurrección’, fueron los únicos recuerdos del pasado, un escasísimo número en las dos horas de recital.

Vimos a Manolo García en mejor forma que en su anterior visita y con él venía una banda en la que siguen sus habituales Nacho Lesko, Juan Carlos García y Pedro Javier González. Y de esta cita disfruté realmente con la última parte más cañera, si se puede usar ese término para calificarla; así tras Insurrección encadenó ‘Si te vienes conmigo’ y ‘A San Fernando, un ratito a pie y otro caminando’, dos excelsos cortes de su etapa en solitario.

Después llegarían dos bises que fueron un derroche; diez temas en los que Manolo García salvó el concierto, ya fueran ‘Rosa de Alejandría’, ‘Malva’, ‘Prefiero el trapecio’, ‘Pájaros de barro’, ‘Para que no se duerman mis sentidos’ y ‘Somos levedad’. Y de propina, no se le ocurrió más que cantar una ranchera: ‘Que seas feliz’, popularizada en su momento por Jorge Negrete.

Sitio oficial | Manolo García
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Vídeo | YouTube
Fotografías | Vicintosh87



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La fiebre del retro funk & soul está a la luz del día y las bandas que nos hacen disfrutar de este revival son ya muchas. En Nueva York están Sharon Jones & The Dap-Kings, que es mi favorita y en Nashville The Dynamites, cuya inspiración reside en el James Brown de mediados de los sesenta salpicado con toques Motown, de Memphis y de New Orleans.

Su álbum de debut, publicado hace ahora un año, Kaboom!, es una bocanada de aire fresca y una sorpresa para quienes nunca les hayan escuchado. Esta banda, que lidera el guitarrista Bill Elder, también conocido como Leo Black, actuó el viernes en la Plaza Mayor de Gijón, siendo ésta la única actuación gratuita del festival Euroyeyé.

No venían solos The Dynamites, con ellos estaba un veterano del circuito soul desde hace cuatro décadas, Charles Walker, una estrella que ha dado empaque a una banda que en directo se transforma y parece que hemos retrocedido a los tiempos en que Neil Armstrong puso pie en la luna.

Así, The Dynamites recalaron en un escenario ante un público muy heterogéneo formado por yeyés, veraneantes, curiosos y personas de distinto pelaje que acabaron rendidos ante la propuesta deep funk de los de Tennessee, que con el magnetismo escénico y la voz ora escorada al gospel ora al soul de Wigg Walker arrancaron en cada tema los aplausos y los gritos de un público que sentía el calor que había encima de las tablas.

Un lujo el de este concierto sin duda alguna en el que este combo repasó su primer álbum, que vendían en vinilo, como tiene que ser, al final del recital en un puesto que también tenía camisetas y compactos y en el que había que hacer cola para conseguir un artículo.

Todo ello gracias a que esta banda no piso el acelerador ni un minuto durante la hora y pico de recital en la que hubo funk sixtie como ‘Killin’ it’, ‘Stinky’ y ‘Come on in’, éstas dos últimas incluidas en su single de debut, un precioso 7” en vinilo de color rojo, y soul a raudales como ‘Help somebody’, una versión de la banda que Walker lideraba hace casi cuatro décadas, The Sidewinders, con Leo Black pletórico con el wah wah de su guitarra, ‘Own thing’, ‘Dig deeper’ o ‘Never found me a girl’, además de giros hacia temas conocidos como ‘Satisfaction’ o ‘Summertime’.

MySpace | The Dynamite feat. Charles Walker
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Vídeo | YouTube
Fotografías | Víctor Rodríguez



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Hay discos y discos, discos que te apetece escuchar un día determinado, donde buscas más el contagio de una música más alegre, o discos donde el clima triste de su sonido, es el preferido para los días más íntimos. La posibilidad de un abanico tan grande en la música, nos hace disfrutar de un proyecto tan difícil y extraño como es el de Meredith Monk, quien se enmarca en el avant garde, pero como una etiqueta superflua con que situar al proyecto a la mayoría del público.

Su carrera viene de fondo, asentada sobre la personalidad innovadora de Meredith Jane Monk, una compositora peculiar, sin límites a la hora de entender las melodías y con una voz perfecta para innovar a partir de ella. Nacida en Lima, Perú, ha desarrollado toda su carrera en los Estados Unidos, donde se ha llegado a juntar con figuras tan importantes como John Cage, otro nombre a admirar dentro de la innovación musical.

La cima de Meredith Monk fue Dolmen Music (1981), un álbum difícil en principio, sin ningún añadido más allá del mínimo piano que se encuentra al fondo, las melodías casi no existen, y sólo es su voz la que sostiene las canciones.

Éste último aspecto, es decir, las canciones, en la carrera de la peruana, son efímeras. Bien podrían entenderse todos los cortes que ha grabado como uno sólo, que su obra seguiría siendo igual de mágica. Es una desnudez suprema, donde se apuesta por la simpleza de la voz jugando, experimentando qué registros van mejor en cada parte, y cuáles son los agudos que casan en el momento adecuado.

Casi nunca hay letra, no hay otro instrumento principal que no sea el piano, para el cual ha compuesto varias obras; a veces hay mínimos arreglos de cuerdas al fondo, pero ahí acaba la composición. Se limita a buscar la armonía y transmitir la tranquilidad con el compendio de voz, piano y algún que otro ‘ruido’ por el fondo.

17 cortes pueden resultar muy ambiciosos para una obra hoy en día, y cuando se va descubriendo Impermanence se va descifrando el lenguaje. Al principio podrían resultar pesados, pero después, cuando ya uno se ha empapado del ambiente de Meredith Monk, la hora y diez que dura el álbum, pasa sin enterarse.

Ningún tema destaca sobre otro, los 17 son un todo. Como anteriormente decía de unir su obra al completo, Impermanence podría juntarse en un mismo corte de esa duración, sólo que sería inviable comercialmente (sí, más aún de lo que lo es ahora).

Lento, intimista, perfecto para momentos en que una pérdida humana cercana te pide descubrir otros tipos de música. Se habla de música clásica moderna, o de movimientos artísticos fuera de lo establecido; pero cualquier etiqueta escapa a la música de esta artista. Es mejor descubrirla en el momento adecuado e ir sin prejuicios.

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Sitio Oficial | Meredith Monk



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Me sorprende como la página web del Sonorama sigue siendo tan desastre (desactualizada, nombres de varios grupos mal escritos, confusa) cuando el festival tras diez ediciones ya se ha consolidado como uno de los indispensables y favoritos por el público de nuestro país.

Un festival que conserva su espíritu familiar centrándose en las propuestas independientes nacionales más interesantes del año. Todo está a punto para que de comienzo su undécima edición los días 14, 15 y 16 de agosto en Aranda de Duero (Burgos).

Un cartel que este año comparte varios de sus nombres con el Contempopranea, otro que apuesta por el indie español, y al que se han sumado en las últimas semanas algunos de los grupos que más están dando que hablar este 2008 como son Vetusta Morla y Russian Red y ha sufrido alguna caída como la de La Mala Rodríguez. Un total de 34 conciertos de los que puedes ver su distribución por días y sus horarios tras el salto.

JUEVES, 14 DE AGOSTO Fiesta de Bienvenida
• 21:00 h.: LAYABOUTS
• 21:45 h.: ADREDE
• 22:30 h.: STANDSTILL
• 23:15 h.: LUCAS 15
• 00:15 h.: THE RIGHT ONS
• 01:00 h.: JOSELE SANTIAGO

VIERNES, 15 DE AGOSTO
Fiesta por la mañana, Centro Aranda de Duero
• 12:15 h.: GANADOR CONCURSO SONORAMA
• 13:15 h.: DINERO
• 14:15 h.: RUSSIAN RED

• 19:00 h.: LOS HOMBRECILLOS VERDES Escenario Ribera Duero (R.D.)
• 19:30 h.: TACHENKO Escenario Principal (p.)
• 20:10 h.: COOPER (r.d.)
• 19:30 h.: THE GIFT (p.)
• 21:40 h.: NIÑOS MUTANTES (r.d.)
• 22:25 h.: LORI MEYERS (p.)
• 23:15 h.: FACTO DELAFÉ Y LAS FLORES AZULES (r.g.)
• 00:00 h.: NADA SURF (p.)
• 01:00 h.: SIDONIE (r.d.)
• 01:45 h.: GOGOL BORDELLO (p.)
• 03:00 h.: TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO Escenario Carson

SÁBADO, 16 DE AGOSTO
Almuerzo en las bodegas, Centro Aranda Duero
• 12:15 h.: SOUVENIR
• 13:15 h.: AARON THOMAS
• 14:15 h.: VETUSTA MORLA

• 19:00 h.: FUMESTONES Escenario Ribera Duero (r.d.)
• 19:30 h.: GRUPO DE EXPERTOS SOLYNIEVE Escenario Principal (p.)
• 20:15 h.: LOVE OF LESBIAN (r.d.)
• 21:00 h.: QUIQUE GONZÁLEZ (p.)
• 22:00 h.: JET LAG (r.d.)
• 22:45 h.: IVAN FERREIRO (p.)
• 23:45 h.: EL COLUMPIO ASESINO (r.d.)
• 00:30 h.: DELUXE (p.)
• 01:30 h.: LAGARTIJA NICK (r.d.)
• 02:15 h.: NAJWAJEAN (p.)
• 03:00 h.: KRAKOVIA Escenario Carson

Sitio oficial | Sonorama
MySpace| Sonorama



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Ir a un concierto no siempre es una experiencia positiva. A veces, acaba mal, no ya porque el grupo no hay estado a la altura de lo esperado o porque el sonido de la sala era deficiente. Ni siquiera porque la cerveza era cara y de baja calidad. Hay ocasiones en las que, simplemente, a los músicos se les cruzan los cables y te acaban pegando.

Bueno, se les cruza el cable o bien se toman la justicia por su mano con espectadores bastante poco respetuoso. Seguro que habéis ido a algún concierto en el que, cerca de vosotros, había algún energúmeno que más que querer ver al grupo, estaba encantado con molestarles todo el rato.

Generalmente, los que están sobre el escenario o pasan de esa gente o simplemente ni los oyen. Pero, ¿qué ocurre cuando sí que les hacen caso, oyen todo lo que dicen esos molestos espectadores y el vaso de la paciencia, que ya estaba a rebosar, recibe una nueva gota? Aquí tenéis cinco primeros ejemplos muy gráficos de que, a veces, es mejor estarse calladitos.

10. Josh Homme se contiene lo suficiente (youtube)

Bueno, contenerse, lo que se dice contenerse… sólo en cuanto a violencia física. Porque lo que es verbalmente le suelta una retáhila de insultos que le hacen digno protagonista de una película de Tarantino. Al espectador se lo tienen que llevar de allí los de seguridad, pero más vale, porque no me hubiese gustado estar en su pellejo: rodeado de fans de QOSA mientras su líder te pone a parir.

9. Axl Rose, antes de que todo el mundo se riera de él (youtube)

Supongo que ya le da igual. O, al menos, tiene que haber aprendido a encajar las críticas. Al fin y al cabo, él mismo se está riendo de su discográfica y gastándose el adelanto por Chinese Democracy (que sí, hombre, que sale este año). Pero hubo un momento en que a Axl Rose no le gustaba que nadie le dijese nada. Así que, como el equipo de seguridad no hacía caso y no echaba al maldito espectador, decidió ir él sólo en busca de la venganza. Cuidado, chicos, el stagediving no siempre es con buenas intenciones

8. Henry Rollins: lo que hay que aguantar (youtube)

Sinceramente, a mí no se me ocurriría empezar a pegarle golpecitos a Henry Rollins ni siquiera en sus tiempos con Black flag, donde aún no se había musculado como un culturista. Y no se me ocurriría porque lo normal es que te pase como a este espectador. Si es que hay algunos que se lo ponen difícil a los demás para no hacer uso de la violencia.

7. Jay Reatard: un poquito de por favor (youtube)

Dueño de uno de los sonidos más vibrantes del rock actual, Jay Reatard parece ser también un tipo con poca paciencia. O eso o no le gusta que nadie se le suba al escenario, porque en este vídeo podéis ver y oír lo que le pasa al incauto que trata de saltar al lado de su banda.

6.David Yow: poniendo la otra mejilla (youtube)

Jesus Lizard fueron uno de los mejores grupos de rock de los 90, pese a que por aquí pocos se enteraran. Su sonido era abrasivo y brutal, sin necesidad de poses ni de tonterías. Iban a lo básico y hacían daño, pero en directo, además, tenían fama de bestias salvajes, sobre todo su líder, David Yow. Este vídeo lo demuestra. Si tu público te pega hasta dejarte inconsciente, lo mejor es ponerte de nuevo de pie y empezar con lo mismo. Una barbaridad.



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Que nadie espere grandes lanzamientos para este mes de agosto, las discográficas parecen haberse ido todas a descansar a la playa, pero a la vuelta de las vacaciones no vamos a parar con la cantidad de grandes lanzamientos que ya han sido anunciados.

De todos ellos, es el nuevo disco de Metallica, Death Magnetic uno de los que más se está hablando y es que los millones de fans que la banda tiene alrededor del mundo siguen con detalle cada uno de los datos que se van desvelando entorno a él.

Primero fue el título y la portada, que personalmente encuentro muy simplona, después el tracklist, y al fin hoy sabemos la fecha de publicación de la esperada continuación al St. Anger que muchos preferimos olvidar.

Cinco años han tardado, pero finalmente será el próximo 12 de septiembre cuando salga a la calle simultáneamente en todo el mundo el que será su undécimo disco de estudio. ¿Satisfarán esta vez a todos sus seguidores?

¡Gracias Jared, por el chivatazo!

Sitio oficial | Metallica
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Comienzo con este post una serie de monográficos dedicados a grandes figuras del reggae para repasar la historia de este estilo musical. El viaje nos llevará a través de Jamaica y de corrientes como el rocksteady, el ska y el dancehall. He decidido comenzar por Alton Ellis, nacido en Kingston en 1944, por su prodigiosa voz y su influencia en la evolución de la cultura musical de esta isla caribeña.

Ellis comenzó su carrera a finales de los 50 formando un dúo con Eddie Perkins. Tras algunas grabaciones primerizas influidas por el ska que predominaba entonces en la isla, decidió reorientar su carrera como artista en solitario. En 1965 grabó el single ‘Get Ready for Rock Steady’ (Imeem) que acabaría por dar nombre a un nuevo estilo musical.

El rocksteady es el antecedente más próximo del reggae, de hecho, su fórmula es básicamente la misma. El tempo de las canciones se redujo y los bailes se volvieron menos enérgicos. Los bajos pasaron a tener un mayor protagonismo y cambiaron el “walking style” del ska por ritmos más sincopados. Otro cambio fundamental fue la identificación de la música con la cultura rastafari, que se vio intensificada a partir de la visita del emperador de Etiopía Haile Selassie I a Jamaica en 1966.

A finales de esa década de los 60, Ellis grabó su primer disco: Mr. Soul of Jamaica. Una joya atemporal que sentó las bases para multitud de artistas que llegaron después. La voz de Ellis tiene la capacidad de llegarte bien adentro con independencia de que entendamos o no el contenido de sus letras. En este álbum encontramos temazos como ‘Chatty Chatty’, ‘Willow Tree’ y ‘If I Could Rule this World’ (Imeem).

El sonido de su banda tiene el encanto del reggae espontáneo y primitivo que aún estaba muy alejado de las influencias electrónicas de la actualidad. Otro punto fuerte de sus composiciones es el juego de voces que realiza con sus acompañantes, creando canciones pegadizas que tardarán en marcharse de tu cabeza.

En 1970 editó su segundo disco, Sunday Coming; junto con su opera prima, es el mejor trabajo que nos ha legado este jamaicano. En él sigue apostando por la fórmula antes descrita, aderezado con ocasionales escarceos con el jazz. De su colaboración con el productor Clement Dodd nacieron canciones como ‘It’s True’, ‘The Picture Was You’ y ‘You Make Me So Very Happy’ (Imeem), versión de un tema de los neoyorquinos Blood, Sweat & Tears.

Las letras y los ritmos de Ellis exudan positivismo y fuerza por los cuatro costados. También trata muchas veces cuestiones de amor y enamoramientos, herencia clara de la música que llegaba desde EE.UU. Su discografía no termina aquí, sino que sigue hasta principios de este nuevo siglo. Pero ya es tarea de cada uno el seguir descubriéndolo.

Este año, Alton Ellis participará en el británico Rythm Festival a finales de agosto. De hecho, vive en Inglaterra desde los 70, pero su recuerdo sigue vivo en Jamaica, aun cuando la llegada de grandes leyendas como Bob Marley lo eclipsaron durante unos años.

Sitio oficial | Alton Ellis
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Como cada mes, aquí va otra pequeña carta de recomendación para degustar en la playita o en gallumbos en casa, padeciendo las inclemencias del señor Lorenzo.

1. Tote King – Mi parque de atracción (Imeem)
Que este sevillano es un crack es algo evidente. Tiene vocabulario, ingenio, métricas dinámicas y disciplina. Ya desde la edición de su primer maxi, El rey del desfase, muchos veían en él al MC puntero que ha llegado a ser dentro del panorama. Debo reconocer que sus últimas canciones me han creado cierta inquietud, porque conserva el talento pero el rollo que lleva en canciones como ‘Ni de ellos ni de ellas’ me hace pensar que está rebajando el nivel para adaptarlo a los quinceañeros que están empezando a subirse al carro (o al tren, que viene más al caso) y que sin duda conforman un porcentaje muy alto del total de sus ventas.

A pesar de todo, no pierdo la esperanza de seguir escuchando temazos suyos como este, extraído de su segundo disco. Aquí juguetea con el lenguaje con calidad y soltura, tan bien como lo hizo en ‘Papiroflexia’.

2. Oktober – NYC (Imeem)
Venga, vamos a mover un poco el cuello. Neoyorquino hasta la médula, Oktober aspira toda la tradición musical para soltar discos como Project Building, rap clasicote con calle y frescura. Junto con Ali Vegas, es uno de los jóvenes más interesantes de la Gran Manzana. ¿Los veremos alguna vez en los escenarios de nuestro país?

3. Mos Def – Crime & Medicine (Imeem)
Después del coqueteo con el rock en The New Danger, Mos Def sacó su tercer disco en solitario, True Magic, que sin conseguir la genialidad de su opera prima subió un poco el nivel. Ahora está preparando nuevo álbum, The Ecstatic, que aún no tiene fecha de salida, aunque parece que contará con Madlib y Oh No en las producciones. Mientras esperamos, nos quedamos con este temazo de su tercera entrega.

4. Vico C – Tony Presidio (Youtube)
¡Qué temazo, sí señor! Dinámico, bien rapeado y con contenido. La vida de un joven cualquiera y los peligros de una trayectoria desencaminada. Vico C está en lo más alto del rap portorriqueñó, descubrid por qué.

5. S Curro – Poesía de supervivencia (Imeem)
Por si os perdistéis el post sobre S Curro y su disco Bipolar, aquí tenéis la mejor canción del álbum. Curro rapea con rudeza y grandes dosis de locura sobre una producción excelente de Je Main, su Dj en directo. Un disco de calidad a tener en cuenta, a la espera de que edite su próxima entrega.

Y en unos días, las cinco canciones restantes. ¡Se admiten propuestas!

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El mayor problema de Electric Six es que empezaron demasiado fuerte con su explosivo ‘Danger! High Voltage’ contenido en su álbum Fire con el que se dieron a conocer hace ya cinco años. Aun hoy me sigue cargando las pilas cada vez que lo escucho.

Después vino Señor Smoke (2005) en el que, aunque los de Detroit ya habían perdido fuelle, nos regalaban algún que otro trallazo de esos que no puedes evitar bailar. Pero a partir de ahí y a disco por año, con Switzerland y I Shall Exterminate Everything Around Me That Restricts Me from Being the Master (el título más largo que recuerdo) la cosa se desinfló del todo y ya perdieron todo mi interés.

Este año le toca el turno a Flashy, su quinto álbum que será lanzado el 21 de octubre y vendrán a presentar en directo en diciembre a nuestro país. ‘Formula 409’ es el vídeo promocional (una gamberrada a la que no le pillo la gracia) de su primer single y por el momento no ha conseguido despertarme del letargo.

Esperaremos a octubre para comprobar como suena la segunda parte de su popular ‘Gay Bar’ y ese ‘Trasatlantic Flight’ que en realidad debería haber ido en un segundo disco de The Dirty Shame (la otra banda de su cantante Dick Valentine) que nunca se llegó a publicar. ¿Esperanzas? Ninguna. ¡Ah no, perdón! que ésta nunca se pierde.

Vídeo | YouTube
Sitio Oficial | Electric Six
MySpace | Electric Six



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